C'è forse un po' di ripetitività nel susseguirsi delle confessioni alla dottoressa Jenny che caratterizza la seconda parte del film, e si finisce per avere la sensazione che il film sia costruito artificialmente per diventare un (nobile) apologo sulla responsabilità individuale e sulla necessità di fare i conti con il proprio senso di colpa. Pur con questi limiti, "la ragazza senza nome" rimane un ottimo film, anche se inferiore ai capolavori dei due registi belgi: rigoroso, intenso, interroga lo spettatore e la sua coscienza senza facili moralismi. Bravissima Adelé Haenel nella parte della protagonista.

Deludente, come gran parte della recente filmografia di Woody: manierato, superficiale, mai incisivo, con battute già sentite che faticano a strappare un mezzo sorriso e una fastidiosa e invadente voci fuori campo. Si salvano gli attori, e poco altro...

Ozon si conferma una dei registi francesi più eclettici e talentuosi dei nostri tempi con un film che è senz'altro da collocare ai vertici della sua filmografia. Uno struggente melodramma amoroso, una denuncia degli orrori della guerra e delle ferite dei nazionalismi (qua e là si avverte l'eco de La grande illusione di Renoir), una riflessione sul potere della menzogna e dell'arte: è tutto questo insieme Frantz, un grande film sull'assenza, struggente, commovente e profondo. A impreziosirlo la bella fotografia in bianco e nero, la musica originale e l'ottima interpretazione di Paula Beer. In attesa di vedere i film premiati a Venezia, possiamo dire che questa pellicola non avrebbe certo sfigurato nel palmares, anzi.

Il simbolismo è un po' invasivo (la demolizione psicologica che diventa fisica), ma l'ottima recitazione di Gyllenhaal e la regia di Vallée cancellano alcune imperfezioni di sceneggiatura.

Il film non brilla per originalità e profondità, ma è ben fatto, almeno nella prima parte. Sul finale si sfilaccia un po', le scene che dovrebbero essere commoventi si moltiplicano e il pathos se ne va, fino a lasciare quasi una leggera sensazione di fastidio. Resta comunque un film discreto, anche se lontano dai prodotti migliori di Piccioni.

Bistrattato troppo ferocemente dalla critica, il film di Kim Rossi Stuart si lascia guardare molto bene, nonostante un finale non proprio convincentissimo e qualche caduta di stile. Se la recitazione del regista è la cosa che convince meno, la Diana è una vera scoperta: si cala meravigliosamente nella parte e crea il personaggio più vivo e originale di tutta la pellicola.

Sembra un film fatto più per sè che per il pubblico, una sorta di elaborazione del lutto in pubblico, intima e un po' sgangherata, ma è anche un'opera ricca di suggestioni e spunti affascinanti, carica di poesia. Merita la visione.

Dopo un inizio con accenni di analisi sociale, il film mette da parte crisi e disoccupazione per scegliere la strada della leggerezza e rappresentare una comica resa dei conti familiare dal consolatorio lieto fine. La strada della leggerezza è però percorsa senza cadute di stile o eccessive volgarità, mantenendo sempre un tono garbato che garantisce al film un buon ritmo e ne rende estremamente piacevole la visione. Ideale per una serata di disimpegno.

Una storia promettente e ricca di spunti interessanti gettata alle ortiche da una regia piatta e superficiale, da un montaggio prevedibile da due attori inespressivi. Che nostalgia per la Nicole Kidman di un tempo.

Il film pone un bel quesito morale e lo fa senza eccessivi schematismi o dogmatismi (anche se sottolinea un po' troppo la differenza fra la sensibilità europea e il decisionismo tipico degli Statunitensi e dei militari), è impreziosito da validi attori, ma fatica a colpire al cuore lo spettatore. Colpa di una regia pregevole ma eccessivamente piatta e prevedibile, priva di guizzi e di forza. Prodotto comunque più che decoroso.

Impreziosito dalla recitazione notevolissima di Francella e supportato da un'ottima regia, il film racconta un caso di cronaca nera che vuole essere metafora della storia recente del paese, nella difficile transizione da dittatura e democrazia. Nella prima metà si avverte qualche lungaggine di troppo e il film sembra ripetersi un po' gratuitamente, ma il buon finale risolleva ampiamente la pellicola. Da vedere.

Sospeso tra horror e cinema d'autore, il film si fa apprezzare soprattutto per la sublime fotografia, degna di un quadro fiammingo. Con qualche concessione in meno agli stereotipi dell'horror e un più rigoroso impianto allegorico avrebbe potuto essere un capolavoro. Comunque da vedere, soprattutto per chi ha amato "The village" o "Antichrist".

Se si prescinde dalla sceneggiatura un po' prevedibile e non sempre adeguatamente approfondita sul piano psicologico (il coinvolgimento di un'anima pura come Nick difficilmente può essersi realizzato inconsapevolmente), il film è un ottimo prodotto di intrattenimento, che non si ingolfa mai in intrighi improbabili o in sparatorie gratuite come spesso avviene nei film sui narcos; la regia è sapiente e coinvolgente (merito doppio se si pensa che ci troviamo di fronte a un esordiente), il ritmo è serrato e coinvolge lo spettatore dall'inizio alla fine, Del Toro è semplicemente perfetto nella parte di Escobar. Piacevole sorpresa.

Commedia sentimentale esile e dalla sceneggiatura discutibile, alterna momenti divertenti ad altri banalotti o insignificanti. La sufficienza è raggiunta solo grazie agli attori, soprattutto al simpaticissimo Guesmi, e alle delicate scene 'acquatiche'.

Ennesima perla firmata Mungiu, un regista che finora non ha sbagliato neanche un film: un dramma morale intensissimo costruito su una sceneggiatura perfetta, sorretta da una regia asciutta e precisa. Ritratto di un paese, analisi spietata delle debolezze umane, studio psicologico del rapporto genitori-figli: nel film c'è tutto questo, senza giudizi preconfezionati o facili moralismi. Il film pone domande: allo spettatore trovare le risposte.

Palma d'oro probabilmente non del tutto meritata per un film ben girato e ben recitato, carico di buone intenzioni, ma retorico e ideologico nella sua impostazione, come spesso avviene nel cinema politico di Loach: proletari buoni e uniti, altruisti e dediti al sacrificio contro uno Stato liberista insensibile e cinico. Tutto un po' eccessivo, un po' forzato, un po' calcato, un po' schematico e prevedibile (come nel pistolotto finale del cittadino che lotta per i propri diritti), e questo rende più difficile l'immedesimazione e il coinvolgimento pieno. "La legge del mercato" aveva trattato lo stesso tema con maggiore sensibilità e forza.